魅惑のボンレスハム 会田莉凡、高関健/シティフィル   

2016年2月11日 @ティアラこうとう

バルトーク:ヴァイオリン協奏曲第2番
プロコフィエフ:交響曲第5番

会田莉凡(ヴァイオリン)
高関健/東京シティフィルハーモニック


定期会員になった東京シティ・フィルのティアラこうとうマチネ(全4回)、今日が最終回です。このティアラこうとうシリーズ、安いし、来シーズンはプログラムもとても良いので更新しようと思っていたら、他のオーケストラの定期と丸かぶり。しかも振り替えできない回で。。。もうがっかり。。
あ、気を取り直して。今日は、ウマの合う高関さんと、聴いてみたかった莉凡さんが出るのですご~く楽しみだったんです。もう待ち遠しかった。

莉凡さんはまだ聴いたことがなかったんですけど、シャネルのピグマリオン・アーティストに選ばれていたり、お噂はそこここから漏れ聞いていたのです。そしてブログ。タイトルが「ボンレスハム工場」なんです。本人曰く、食べるのが大好き。でむっちりしたところがボンレスハム?ご自分でそうおっしゃるところが素晴らしい。

始まる前に高関さんからお話があって、莉凡さんがやんちゃだったこと(音楽の話です)など暴露されたり、バルトークの協奏曲、ヴァイオリンをやっていた高関さんも弾いたことのある思い出深い曲であること、などを話されました。高関さんのお話は要点を掴んでいてとても分かりやすいですね。

莉凡さん、この曲を音楽会で弾くの初めてかしら?分かんないけど。丁寧な演奏ですっきりとインターナショナル。その分バルトークの灰汁みたいな民族性、取っ付きにくさが中和されているんですけど、4分音まで素人のわたしでも聴き取れたくらいのクリアさで弾いたのはお見事。わたしとしては、オーケストラで見事にサポートした高関さんにも言えるのだけど、上手くまとまりすぎていて、もっとやんちゃな面が出てくるとより面白かったのにって思いました。若いから冒険できないんじゃなくてはちゃめちゃでもいいから殻を破って欲しかったです。
莉凡さん、ソリストとして非凡なんですけど(韻を踏んでみました♫)、室内楽をやったりゲスト・コンサートマスターの席に座ったり、なんでも好きみたい。将来的には、ソリストとしてではなく、超一流のオーケストラのコンサート・マスターとしてオーケストラをリードするのが向いているのかも知れませんね。超一流のオーケストラのコンサートマスターって、下手すればソリストよりずっと上手いし、ソロ活動をする機会も多いしね。もう活躍し始めてるけど、これからの活躍が楽しみです。まずは、ヨーロッパか北アメリカに行け~~。

後半のプロコフィエフは、わたしにはちょっと整理されすぎてプロコフィエフらしさが薄まっていると感じました。高関さんの音楽は、楽譜マニアっぽいツイートから察せられるように、音楽をとても丁寧に分析してそこから組み立てていく姿勢にいつも敬服しているのだけど、プロコフィエフではそれが裏目に出ちゃった感じ。クリアにいろんな音が聞こえてきて、面白いことにショスタコーヴィチ風に聞こえました。プロコフィエフってわたし的には、いろんな音がかたまりになって聞こえてきて、どろどろの坩堝のような音楽だと思うんです。サイケデリックというか、なんかよく分からないけど凄い、みたいな割り切れないところが魅力だと思うんですね。粗いタッチで描かれた厚塗りのゴッホの風景画のような味わいが魅力で、風景を4kハイビジョンで写し取ったような細部まで鮮明な音楽ではないんじゃない、というわたしの考えを宗旨変えさせるだけの説得力はなかったです。惜しいなぁ。
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# by zerbinetta | 2016-02-11 20:45 | 日本のオーケストラ | Comments(0)

兄ビーはレオナルド! P.ヤルヴィ/N響 ブルックナー5   

2016年2月7日 @NHKホール

マーラー:なき子をしのぶ歌
ブルックナー:交響曲第5番

マティアス・ゲルネ(バリトン)
パーヴォ・ヤルヴィ/NHK交響楽団


主席指揮者兄ビーとN響の定期公演、今回はブルックナー。中でも壮大な交響曲第5番。ブルックナー・トイレも長くなりそう。女子には関係ないから、余裕でチラリと見物しちゃった。

ブルックナーの前には、マーラーの「なき子をしのぶ歌」。マーラーの歌曲の中で最高傑作と勝手に思ってる心に浸みる悲しい歌。歌い手は、ゲルネさん。ゲルネさんって、猫背風に少し前屈みになって歌うのが、マーラーの、特にこの「なき子をしのぶ歌」みたいな屈折した暗さの歌に雰囲気ピッタリですよね。もちろん、深いバリトンの声も凄い素敵だし。
マーラーは歌曲のオーケストレイションを交響曲とは違って薄くしてる(そういう意味で「大地の歌」は交響曲っぽい)んだけど、パーヴォさんの演奏はまさにそんな感じ。もう少し弦に厚みを持たせてロマンティック寄りの演奏もありだとは思うのだけど、パーヴォさんの選択は、歌曲としての側面をより前面に出したものでした。控え目なオーケストラは、歌の背後に回って見通しの良い音楽を付けるんだけど、この選択は残念ながら凶と出てしまいました。NHKホールがこの音楽には大きすぎた。もう少し小さな響きのいいホールでならこの表現は上手く生きたのでしょうけど、ホールが音楽に余ってしまったのがもったいなさすぎ。ゲルネさんの歌は、言葉の語りを大事にするもので、わたしの3階席までちゃんと聞こえてきましたが、でも、やっぱり、この語るような歌は、親密なホールでよりふさわしく聞こえたと思います。残念だわ。

後半はブルックナーの大曲。大聖堂の偉容を仰ぎ見るような音楽だと思ってたんだけど、パーヴォさんのは違った。大聖堂は大聖堂なんだけど、その緻密に描かれた設計図を見るよう。本物の大聖堂は、想像の先にあって、でもその大聖堂の秘密や全てが明らかになるの。もちろん、設計図は本物の大聖堂ではない。でも、あらゆるものにそれぞれマニアがいるように、設計図マニアというのもいるでしょう。わたしは、とても面白く聴けました。でもね、これが完成形だとは、パーヴォさんも思ってないんじゃないかしら。
パーヴォさんがやってるのは、レオナルド・ダ・ヴィンチがやったようなことなんじゃないかと思う。人の絵を真実に、正確に描くために、彼は、解剖学から学んだ。人体を解剖して、筋肉の付き方や中の構造を調べて、人物の絵に還元しようとした。それと同じように、パーヴォさんは楽譜に書き取られた音楽を解剖して詳細に解き明かすことから始めているような気がしたの。その結果、ブルックナーの音楽の繊細な構造に光りが当たって、それらが設計図を見るように聞こえてきたんだと思う。本当はそこから大伽藍を作ってこそ、本物にしかない聖堂の空気やステンドグラスの織りなす光やクリプトの冷たさに身体中が震えるんじゃないかと思うのだけど、パーヴォさんのブルックナーはまだ、完成を見ていないのか、オーケストラの力がそこまでだったのか(N響はとても良い演奏をしていたのです。ピチカートがうんと素敵でしたし。でも、まだ少し足りない)、それは分からないけど、レオナルドで例えるとたくさんの正確な素描を観た感じです。それは、確かにわたしにとってとても面白かっただけに、最終的な形をいつか観てみたい、聴いてみたいと強く思ったのでした。パーヴォさんのブルックナーは多分、絵はがきのように見えている美しさや荘厳さだけを切り取った風景のような凡愚な演奏ではなく、足元から聖堂のいしずえのアウラが伝わってくるような音楽になるとなるでしょう。いつかそんな演奏をパーヴォさんから聴きたい。

あ、覚え書き程度に。今日の演奏で、はっと思ったのは、第2楽章と第3楽章をアタッカでつなげていたこと。パーヴォさんはご存知かどうか分かりませんが、川崎高伸さんの説(Bruckner Journal 13(1), 2009)に、ブルックナーの交響曲第5番の構造に意識的な対称性が見られるというのがあって、それによると第2楽章(アダージョ)と第3楽章(スケルツォ)も対になっているはず、実際にふたつの楽章の始まりの低弦のピチカートの音型が同じ、だから、このふたつは同じテンポで演奏すべし(ブルックナーは第2楽章を4拍子ではなくアラ・ブレーヴェで書いているのでそれが正しい)ということなんだけど、わたしは、同じ音型が出てくるからといって同じテンポとはちょっと強引だわと思うのだけど、もしかして、今日のパーヴォさんのは、テンポは普通のアダージョと速いスケルツォだけど、2つの楽章をつなげて関連性を付けることによって、最初の楽章とフィナーレの対称性を際立たせたのかな、とも思いました。穿った見方だとは思うんですけど。ただ、2つの楽章の尋常ではない連結には何か深い意味を感じるのです。それがどういうものかまだ分かりませんが。答えを見つけるためにもいつかまた聴きたいです。
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# by zerbinetta | 2016-02-07 11:28 | 日本のオーケストラ | Comments(0)

うらぶれたホール。。。ジャパン・ウィンド・プレイヤーズ第3回定期演奏会   

2016年2月6日 @多摩市民館

川辺公一:高度な技術への指標
保科洋:風紋~原典版~
藤田玄蕃:天使ミカエルの嘆き
兼田敏:吹奏楽のためのパッサカリア
長生淳:翠風の光

甲斐誠/ジャパン・ウィンド・プレイヤーズ


元吹奏楽部の仲良しに誘われて、行ってきました。多摩市民館が(家から)こんなにも遠いとはつゆ知らず。。。延々と電車に乗って。むー。
世界に伝えたい japan の吹奏楽、と題されたジャパン・ウィンド・プレイヤーズの第3回定期演奏会。仲良し的にはツボだったみたいです。吹奏楽少年だった頃の懐かしの曲が演奏されて。わたしの知ってる曲は、仲良しに聴かされてた「天使ミカエルの嘆き」とアンコールだけだったんだけど。。

「高度な技術への指標」は、吹奏楽コンクールの課題曲。ポップス調の曲が課題曲に初めて(?)採用されたとのこと(仲良しの解説)。もう、ちょっと待って。わたし詳しくないから、仲良しの受け売りでゴー。速いテンポで乱れなく吹ききったのはさすがプロ。最初のトランペットのコロラトゥーラ風の速いパッセージは、わたしも、ほー、と思ったけど、全体になんかリズムが切れないというか、譜面通り吹いて合わせているだけみたいなところが聞こえて、ちょっとリハーサル不足かなって思った。上手なんだけど、もっとやればもっと良くなるのにってもやもやした感じ。それはこの音楽会全体に言えました。合奏の時間が(特に練る時間が)足りなかったんじゃないかって。個々のプレイヤーの音楽のずれが音楽を鈍重な感じにしちゃったみたいな。

わたしの知ってた「天使ミカエルの嘆き」は、だから、なんかわたしの知ってるのと違った感じがしてちょっと感動が薄かったです。お終いの方のファンファーレってもっと匂い立つようにふわっと盛り上がるんじゃないの。天が開けたみたいに。

音楽は「翠風の光」が一番好きだったかな。充実した作品。吹奏楽曲に新しい好きができて良かったです。演奏もこの曲が一番良かったように思います。「風紋」とか音楽が流れるような作品の方が相性が良かったような。

アンコールは「ディスコ・キッド」。コンクールの課題曲だった曲ですけど名曲ですよね。途中、クラリネットの人が立ったので、アドリブで長いソロを吹くのかな(シエナ・ウィンド・オーケストラの演奏@youtubeがそうでした)と期待したら、楽譜通りでした。やっぱり、この曲も何だかリズムが重くて残念。

せっかくのプロの団体なんだから、もっとしっかり練習してアンサンブルを作っていって欲しいと思いました。お客さんが少なかったのも残念です。日本の吹奏楽曲、とても良い選曲だったし、世界的に見て類い稀な吹奏楽大国の日本(USでもイギリスでも吹奏楽の演奏会はほとんどありませんでした)には、まだまだ良い曲たくさんあるし、もっともっとたくさんの人に聴かれて欲しいです。でも、吹奏楽人口、多いと思うのにあまりお客さんが入らないのは、吹奏楽は高校生までで大人になるときっぱり卒業しちゃうからかな。クラヲタさんが吹奏楽の音楽会もたくさん聴きに行くってあまり聞かないし。(でも、本当の問題は別なところにあるんですよね。今は書かないけど)

もうひとつ。会場の多摩市民館が、地方の官営の管理の行き届かない多目的ホールの残念な姿を見るようで悲しかったです。椅子のレザーが破れたままで、チープ感がうらぶれた雰囲気を醸し出していて。。。ハレである音楽を聴くホールとしては、ダメダメだろうな。建てて終わりにするんじゃなくて、そこから良いものを作っていく(中身を!)ことを考えないとゴーストタウンのホールばっかりこれからできてくるんじゃないかしら。
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# by zerbinetta | 2016-02-06 19:51 | 吹奏楽 | Comments(0)

創立60周年 ただ今絶好調 新交響楽団第232回演奏会   

2016年1月24日 @東京芸術劇場

芥川也寸志:交響曲第1番
エルガー:交響曲第2番

湯浅卓雄/新交響楽団


新交響楽団、絶好調でした。
新交響楽団の創立60周年演奏会その1です(今年がその年なので、今年の音楽会の分、その4まであります)。曲目は、新交響楽団の創立に深く関わっている芥川の交響曲となぜかエルガーの交響曲第2番(第1番に比べて滅多に演奏されない曲ですけど(ロンドンの4年間で1回も聴かず)、なぜか日本のアマチュア・オーケストラで2回目です。第1番は1回なので日本では2番の方が人気?)。プログラム冊子には、新交響楽団の創立時の歴史を振り返る興味深い座談会が掲載されていました。今から思うと隔世の感ですね。労音とか。

今の新交響楽団に芥川を直接知っている人がどのくらいいらっしゃるのか分かりませんが、オーケストラのDNAとしてこの交響曲(約20年ぶり、4度目の演奏だそう)の演奏には特別な思いを感じるのかも知れません。
1954年(29歳)作の交響曲第1番は、3楽章はちょっぴりショスティ、4楽章はばっちりプロコフィエフ風のとても分かりやすい音楽。彼らの影響を強く受けていると言っても充実した力作。似てると言っても安易な真似ではなく、音楽が作曲家の血になってる。そしてその血は、オーケストラにも流れている。もちろん、オーケストラの皆さんはどんな曲にも真剣に取り組むと思うんだけど、芥川の曲は、チェコ・フィルが「我が祖国」を演奏するのと同じようなルーツを新交響楽団の演奏に感じさせるんです。染みついているもの。財産ですよね。湯浅さんも戦後日本のオーケストラ作品をたくさん演奏している方で、迷いのない指揮。オーケストラと作品との親和性や熱のこもった演奏と相まってこの曲の魅力を存分に引き出してくれました。若書きの作品って筆の走りが大切で、熱く演奏されてこそ、な感じがします(マーラーの最初の交響曲とか)。とても良い意味で新交響楽団のアマチュアリズムが生きていました。わたし、新交響楽団って下手したらプロ並みの演奏をするオーケストラだと思ってるんだけど(昔の地方オーケストラのレヴェルくらい)、温度の高い迸る音がアマチュアならではの音のように思えて、それが今日は聴かれて(このオーケストラを初めて聴いたとき、芥川の別の曲もあったんですけど少しおとなしく感じました)嬉しかった。このオーケストラ、今、絶好調というか旬な感じがしました。

エルガーの交響曲第2番は、わたしにはうねうねと何かつかみ所のない音楽。なので、シンフォニックな音を楽しむという聴き方なんですけど、オーケストラが十分上手くて音がちゃんと開放的に解き放たれているのですかっとしました。ひとりひとりが情熱を持って音楽を弾いてるので、ほんと、下手なプロのオーケストラを聴くよりずっと好き。残念ながらプロのオーケストラってときどき弾いてる音楽を分かってない人がいるのよね。プロを聴くからこそ耳がとんがって厳しい聴き方になるからかも知れないけど。

60周年の記念年で、特別な思いのある新交響楽団、次も楽しみです。こういうのほど聴いた方がいいと思うのよ。


新交響楽団の次の音楽会は、創立60周年シリーズ2、第233回演奏会が4月10日、東京芸術劇場にて、飯守泰次郎さんの指揮でマーラーの「復活」他です。
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# by zerbinetta | 2016-01-24 23:41 | アマチュア | Comments(0)

楽しすぎて泣いちゃう オペラ・フレスカ カッチーニ「エウリディーチェ」   

2016年1月23日 @川口リリアホール

カッチーニ:エウリディーチェ

高山潤子(エウリディーチェ)、黒田大介(オルフェオ)
末吉朋子(シルヴィア、プロゼルピナ)、澤村翔子(ダフネ、冥界の女神)
染谷熱子(クローリ、ヴェーネレ)、上杉清仁(アルチェトロ、ラダマント)
中嶋克彦(アミンタ、カロンテ)、和田ひでき(ティルシ、プルトーネ)
彌勤忠史(悲劇/アモーレ)

家田淳(演出)
濱田芳通/アントネッロ、angelico


ものすご~~く楽しみにしていた、オペラ「エウリディーチェ」(1602年)。だって、歴史上多分、3番目か4番目に書かれたオペラ。現存するオペラの中では、ペーリの同名のオペラ(1600年)(この曲の作曲にはカッチーニも関わっています)に次いで2番目に古いオペラ。そしてペーリを差し置いて世界で初めて楽譜が出版されたオペラ(これには、いろいろどろどろとしたお話があるのですが)。それの本邦初演です。まずめったに演奏されることのないオペラをこの耳で聴いてこの目で観ることができるとは。なんたる幸福。しかも、演奏は、古楽を古楽とは思わせない常に最新鋭の感覚で音にする音楽集団アントネッロ。しかも、かぶりつき。あああ身悶えるぅ。わたしと同じ思いの人は多く、チケットはソールド・アウト。実際の会場も空席はほとんど見当たりませんでした。

昔の音楽を演奏するとき問題になるのは、リアリゼイション。古典派以降の楽譜と違って(古典派の頃でも全部が書かれているとは言えないけど)、楽譜には全部は書かれておらず、演奏できるように譜面を整えなければなりませんから。そこがバロック音楽の楽しみのひとつなんですよね。濱田さんのリアリゼイションは演奏と同じようにとても自由(好き勝手という意味ではありません)。オペラ以外からも同じ作曲家の別の曲、さらには同時代の他の作曲家の曲も適宜混ぜ込んでいます。楽器も楽譜に書かれていない(書かれた楽譜は通奏低音だけだそうです)、コルネット(金管楽器のマウスピースで縦笛を吹くような楽器)、トロンボーネ、フラウト、打楽器などを加えて、音楽的な効果を上げています(音楽について濱田さん自身の手で書かれた詳細がプログラムに載っていてとても分かりやすかったです)。
えええっ?当時の音楽を聴かせてくれるんじゃないの?って批判は無しね。だって作曲された当時って、演奏される機会によって作品には手を加えられるのが普通なんですもの。楽譜通りに演奏されるなんてもっとずうっとあとの習慣なんですよ。そして、一番大事なことは、濱田さんのリアリゼイションによってこの作品が生き生きと生まれ変わったこと(音楽の演奏はそのときそのときが新しい誕生だけれども)。モノディを徹底させてるカッチーニの音楽だけでは、単調だったこの作品がとても面白く聴けた功績は大きいです。
それはまた、演出の家田さんにも言えます。冥界の王プルートをコジモ・デ・メディチ(フィレンツェの芸術のパトロン。メディチ家の祖)に仕立てたり、名もない牧人たちに名を与えて物語に加えたり、アイディア満載。濱田さんと家田さんの共同作業は同じ思いを共有していて音楽と物語のステキな一致を得て素晴らしかったです。またこのおふたりの共同作業が見たいな。強く希望。

歌手陣は、主役のオルフェオを歌った黒田さんが張りのある声と豊かな表情で良かったですが、友達のアルチェトロの上杉さんも掛け合いで黒田さんを引き立ててとても良かったのです。冥界の王の和田さんも貫禄のある低音だったし、あまり出番はないのだけど、おきゃんな感じのエウリディーチェを作った高山さんもなんか振り切れた感じで面白かったです。そして、大好きな彌勤さんはやっぱりステキでした。悲劇とアモーレ(愛)を一人二役で歌うのも、スパイスが利いていてニヤリとします。でも、彌勤さんとならば愛の悲劇もいいなぁ。って言うかハッピーエンドなんですけどね。その他の歌手たちもひとりひとりに名前を与えた演出と相まって、それぞれの物語があってとても充実していました。アンサンブルがステキです。

アントネッロにゲストのangelico(トロンボーネ・アンサンブル)を加えたオーケストラは、直前に中心人物のひとり、アルパ・ドッピアの西山まりえさんがご病気のため降板となってしまったけど、アントネッロの持ち味であるビート感のある生き生きとした音楽は、古楽を聴いていると言うよりもう現代のノリ。特に打楽器のビート感と時折アグレッシヴな突っ込みを魅せる通奏低音が。バロックって昔の音楽ではなく、古典派とかロマン派よりもひとまわりまわって現代に近いんじゃないかって思っちゃいます。バロック・ロックみたいなオールスタンディングで縦ノリピョンピョンのライヴやらないかな。それと、指揮の濱田さんがときどき吹き振りするコルネットの素晴らしいこと。わたし、アントネッロ、全面支持だわ。

こうして最初期のオペラを聴いて分かったのは、逆説的だけど、この5年後に書かれ現在もよく上演されている最古のオペラ、モンテヴェルディの「オルフェオ」(「エウリディーチェ」と同じ題材)がいかに突出している傑作であるかってこと。モノディにこだわらない音楽の素材の豊かさ、歴史上初めて(?)のオーケストレイション。大好きなので褒めちゃうんですが。
でもね、滅多に演奏されることのない歴史的なオペラを楽しんで聴けたのにはうれしすぎて泣いちゃいました。こうなったら現存する最初のオペラ、ペーリの「エウリディーチェ」も聴いてみたい。一昨年のモンテヴェルディ3オペラの上演から始まったアントネッロのオペラ・フレスカ・シリーズ。次は何になるのでしょう。もう今から首を長くしてワクワク。バロックって面白いオペラ目白押しですからね。
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# by zerbinetta | 2016-01-23 23:17 | オペラ | Comments(0)

新・春の祭典ってどんな? 小林/日フィル   

2016年1月22日 @サントリーホール

リムスキー・コルサコフ:交響組曲「シェヘラザード」
ストラヴィンスキー:春の祭典

小林研一郎/日本フィルハーモニー交響楽団


今日は日フィルの定期。誰がなにやるのかなぁ~わくわく~、と思いつつ、誘惑に負けてチラシを見たら、コバケンさんで春の祭典とか。。。ううう~む。いや、コバケンさんがどうのとか言うわけではないんですけどね。コバケンさんが「春の祭典」って似合わない~、振れるんだろか、と勝手に失礼な妄想。ごめんなさい。

サントリーホールのポスターを見てえっ!あれっ?新春の祭典って、なんだ?春の祭典の新しい版?コバケンさんが振るからなんかとんでもない新規感?と、3歩歩いて気がついた。’新春’の祭典じゃ。。。そっかーまだお正月でいいんだ~。お雑煮食べよっ。

メイン曲がふたつ、「シェヘラザード」と「春の祭典」がプログラムに並んでるので、どっちが先かなぁと思いつつ、順当に「春の祭典」があと。エネルギーいるものね、この曲。
「シェヘラザード」は、最初のヴァイオリン・ソロから響く響く。なんかホールの音響を味方に付けまくった感じで(わたしがオーケストラの後ろ側に座っていたせいで、客席の後ろから跳ね返ってくる音がよく聞こえたからかしら)、特に高音が糸を引くように伸びて聞こえたのにびっくり。ヴァイオリンの人の音もふくよか。コバケンさんの作る音楽は、相変わらず独創的というか、コバケン節って言うの?リムスキー・コルサコフの「シェエラザード」を聴いてる感じじゃなくて、コバケンさんの音楽を聴いている感じ。第1楽章は大凪。静かな海をトランクイロ(平穏(?))に滑る船。がなんか現実味がなくて黄泉に下っていくの。静物画の世界。正直戸惑いました。
第2楽章は、一転少し速めのテンポ。管楽器のソロが多くて、聴かせどころを、コバケンさんは各奏者にまかせてる振りをしてしっかりと手綱を締めている感じ。コバケンさんってものすごく怖い、厳しい人だと思いました。コバケンさんは、信頼できる人だと、自由な、自発的な演奏を求めるんだけど、そうでない人には辛辣。そしてそれは、(プロのレヴェルでは)技術的なことと言うよりも、音楽の心の表現を大事にしているような気がしました。ときどき左手を心臓に当てる仕草をしているのは、そんな心の表現を求めているからじゃないかしら。コバケンさんと仲の深い日フィルは、コバケンさんをよく分かっているようだし、コバケンさんもこのオーケストラを信頼しているのが窺えます。コバケンさんが他のオーケストラを振ったのをまだ聴いたことがないから無責任かも知れないけど、コバケンさんってどこよりも日フィルと相性が良いのではないかしら。少なくとも比較じゃなくて日フィルとの相性は抜群と思えました。あっそうそう、響き線を緩めた感じの小太鼓の音色が好みではなかったけどユニークでした(第4楽章も)。
第3楽章はまたゆっくり目のテンポで、やっぱり、いつもの「シュヘラザード」とは違う感じなんだけど、濃厚なロマンティックな歌で、この演奏の白眉でした。そして、気がついたのだけど、この楽章だけ、シェヘラザードの語りではないのですね。王とシュヘラザードの寝間のシーン。だって語り始めるヴァイオリンのソロはないし、シュヘラザードのソロはオーケストラの中に溶け込んでるもの。
賑やかな、第4楽章は、勢いで行っちゃえ、みたいな感じで、タンバリンなんかはリズムが混沌としてたけど、雰囲気があるからいいやというか、雰囲気重要みたいな表現。そんな中、全体的にティンパニが薄めというかおとなしかったのが残念。最後の弱音のコラールは、もう少し音が澄んですうっと抜けたら良かったなと感じたけど、そこがまだ日フィルの限界なのかも知れませんね。でも、第3楽章を頂点にコバケンさんの「シェヘラザード」は楽しめました。

後半は「春の祭典」。これがまたコバケンワンダーランド。「春の祭典」ってよく言われるように、リズムに革命を起こした現代音楽の古典(もちろん、曲自身はもはや現代音楽ではないのですが)。リズムが音楽の重要な要素として和声や旋律と対等の扱いがされた最初の目の覚めるような歴史的な作品です。だからこそリズムの扱いが重要なのだけど、コバケンさんのはそれに真っ向から対立するもの。リズムの鋭さがことごとく無視されていて、もちろん、現代のオーケストラはこの曲を合わせる技術は十分で、ずれたり破綻することはないのだけど、リズムの輪郭が滲んで音の塊になってるの。最初のファゴットのソロから時空の歪みのような伸縮があって、異様なものを予感させたんだけど、まさにその通り、完全にコバケン節(と言うのかな?)になっちゃった。前に聴いた、フルシャさんと都響のキレキレの演奏とは対極的。その結果、プリミティヴな大地の祭り、になったかというとそうでもなく、なんか得体の知れないどろどろとしたものに。大地がぐにゃりと歪んでいた。力業のオーケストラは、歪んだ鏡となって音楽の姿を見せてくれるのです。暗譜で振ってるコバケンさんはそれを意識的にやってる。むむう。あっ、「シェヘラザード」の時と違ってティンパニが思いっきり叩いていたのは良かったです。が、小クラリネットはかなり危うい感じなのが残念。
面白い演奏でした。と言うか、変わった演奏で、変態好きのわたしとしては、良い悪いじゃなくて面白かったと言うしかないのだけど、果たして、これで良いのかという疑問はつきます。コバケンさんは独自の音楽を作っていたけど、日本のオーケストラならその通りに演奏するけれども、超一流の指揮者とたくさん共演して、ひとりひとりが一家言あるような演奏家ばかりが座ってる超一流のオーケストラを前にして、コバケンさんが、オーケストラを納得させることが出来るかどうか、答えのない疑問を持ちました。演奏家を納得させられるかどうか(しかも相手は、例えば「春の祭典」をいろんな指揮者で演奏している強者たち)が、独りよがりの音楽か普遍的な価値を持つものなのか、の分水嶺となると思うんですね。わたし自身は、面白いものが聴けたと喜んでいるものの音楽には納得していないという頭でっかちな自己矛盾を抱えて、音楽の世界から日常へのグラディエイションを会場をあとにするお客さんの流れに揺られながら漂うのでした。
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# by zerbinetta | 2016-01-22 22:27 | 日本のオーケストラ | Comments(0)

看板(?)に偽りあり? 古典四重奏団 ハイドン作品74   

2016年1月16日 @松明堂音楽ホール

ハイドン:弦楽四重奏曲作品74の1~3

古典四重奏団


ハーディングさんと新日フィルの「戦争レクイエム」もものすご~く聴きたかったんだけど、1000円のお値打ち音楽会だったので初めての所沢までの遠征でした。自分の中の四重奏濃度を少し上げたいってのもあったしね。もっと山の中かと思ったら(失礼)町が拓けていてびっくり。というか、所沢がどこにあるかもよく知らなかったのでした(東京で奥多摩のそばかと思っていた)。
松明堂音楽ホールというステキな名前のホールは、急な階段を降りていく地下にあるライヴハウスのようなホール。個人経営なのかしら。4人掛けの椅子で数えたら84人の小さな空間。こういうところ、なんか秘密基地みたくて好き。近所のおじいさんおばあさんが集うような雰囲気も良い。

古典四重奏団は、古参(結成30年目)の、日本では珍しい、常設の弦楽四重奏団。このハイドンの(四重奏全曲演奏)シリーズに加えて、ショスタコーヴィチやベートーヴェンのシリーズ、レクチャー・コンサートなど多くの音楽会を持ってるの。エクセルシオールと共に図らずも年末年始で、2つの日本を代表する弦楽四重奏団を聴いたことになりました。

プログラムやウィキに書かれていた紹介によると、古典四重奏団は、個々人はピリオド楽器も弾くけど、ここでは現代楽器を弾くということ。全ての曲を暗譜で、音合わせをあまりしないらしい。ところが。今日は、譜面台たててたし、調弦も楽章ごとにやるくらい頻繁(普通より多いよね)。ありゃ~、看板に偽りありだわ。全然気にしないけど。

弦楽四重奏苦手のわたしでも、ハイドンのは好きなんですよ。と言いつつ、作品74って初めて聴く~。充実した最後期の作品76、77の四重奏曲の1歩手前ですね。実際の音楽もまさにそんな感じ。の1から始まっての3までの間にも進化のあとが見られて、1はまだ第1ヴァイオリンが音楽を作っているのに対して、3になると各パートが対等に近くなって音楽の深度が広くなってるの。どの曲もしっかりとした作りの中にハイドンのユーモアがちゃんとあってステキ。

古典四重奏団の演奏は、さすがというか、時の熟成を感じさせる赤ワインみたい。弦楽四重奏って名手が集まってもやっぱり熟成度が出ちゃう音楽なのよね。その重みはわたしでも感じることが出来たくらいだから、音楽の生命線なんだろうな。古典の名を冠してたり、各人はピリオド楽器の経験もあるのだけれども、ピリオド演奏とも現代のスマートな演奏とも一線を画す、どちらかと言うと古き良き時代の伝統を根に持っている演奏と感じました。重厚で(ホールが小さいので音が充満していたせいかも知れません)、日頃無口で険しい顔のおじさまが、ボソッと冗談を言う風なところがあって、わたしの好みは、ハイドンのウィットはもちょっと軽く〜とは思いました。でも、安心してどっしりと腰を落ち着けて聴ける音楽でした。

ショスタコーヴィチのシリーズは、空席が目立つのでぜひ聴きに来て下さいとのこと(こちらはこのホールの他に確かオペラシティでも同じプログラムをやっているはず)。わたしは、次のハイドンにもまた来たいな。
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# by zerbinetta | 2016-01-16 00:42 | 室内楽・リサイタル | Comments(0)